Deux designers émergents qui trouvent du confort dans l’Antiquité

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Le designer Max Zinser, 33 ans, a fait ses débuts dans la construction de décors pour l’industrie de la mode. Après avoir obtenu son diplôme de NYU, où il a étudié la psychologie et l’architecture, il prendrait des emplois indépendants imprévisibles, souvent chaotiques, pour trouver des accessoires (pour, par exemple, une séance photo Valentino sur le thème des maîtres néerlandais) et construire des environnements de piste élaborés pour des marques telles que Marc Jacobs. «Après un certain temps, j’ai voulu travailler sur des projets avec plus de permanence», dit-il. Mais le travail l’a aidé à identifier un chemin par lequel il pourrait transformer sa passion pour le design, nourrie pour la première fois pendant son enfance – il a grandi à Washington, DC, avec un père architecte et une mère peintre – en une profession.

Il a commencé à concevoir des intérieurs de magasins et, en 2017, était devenu un créateur convoité de «l’expérience» de brique et de mortier, responsable d’espaces de signature tels que l’avant-poste de New York rose pâle et rouge cerise de la marque de beauté Glossier, qu’il a réalisé avec son alors – partenaire Kate McCollough. En 2019, il a créé son propre studio de design et s’est lancé dans des projets comprenant une salle d’exposition sophistiquée équipée de meubles vintage pour The Row dans la boutique Forty Five Ten de Dallas. Et même s’il craignait parfois que son portfolio soit peut-être un peu trop vaste – et qu’il ne contienne pas le genre d’empreinte immédiatement reconnaissable, essentielle au succès de nombreux jeunes créateurs dans une culture visuelle en mutation rapide gouvernée par les médias sociaux – il voit cela comme une force. «J’en suis venu à apprécier et à être reconnaissant de l’ampleur de mon travail», dit-il. «C’est le reflet de ma capacité à trouver la beauté et l’excitation dans tant de mondes différents.»

Cette semaine, Zinser entrera dans un autre monde esthétique avec la sortie de sa première collection de meubles, produite avec le célèbre fabricant de meubles basé à Brooklyn Atelier Viollet. Intitulé Monument, c’est une ode en cinq pièces à la tendance de Zinser à voir les objets comme des êtres vivants et se compose d’une chaise, d’un banc, d’une chaise longue, d’un tabouret et d’une table d’appoint fabriqués à partir de chêne dans quatre teintes personnalisées (noir, brun, sable et une brun chocolat) inspirée des somptueuses boiseries de l’architecte d’intérieur français des années 1930 Jean-Michel Frank. «Je me suis retrouvé en train de créer une famille d’animaux abstraits», explique Zinser à propos de ses formes cinétiques, qui, avec leurs pattes expressives et principalement plantées, évoquent chacune la silhouette d’un petit mammifère accroupi, se prélasser ou se tenir au garde-à-vous. «Au fil des ans, j’avais accumulé une collection d’images d’inspiration, y compris des photos de formes en bronze de Diego Giacometti, des cariatides, des meubles de l’Égypte ancienne et des œuvres de Constantin Brancusi et Pierre Legrain. J’ai trouvé un thème récurrent: que chaque pièce était une sorte de créature.

Ses recherches sur les meubles égyptiens antiques se sont avérées particulièrement fructueuses. Un essai de Nora Scott, conservatrice au Metropolitan Museum of Art de 1930 à 1972, lui a fait découvrir l’idée que de nombreux Égyptiens de l’Antiquité croyaient, comme Zinser, que les meubles étaient, en un certain sens, vivants. De plus, à cette époque, le bois était considéré comme un matériau précieux et raréfié; les variétés locales comme l’acacia avaient tendance à être cassantes, de sorte que le bois pour les gros meubles était généralement importé et les artisans préféraient souvent le placage aux constructions solides en raison de son efficacité et de sa résistance. «Nous devons penser le bois de la même manière aujourd’hui», dit Zinser, qui a réalisé ses propres pièces avec des sections de placage de chêne sur la suggestion de Jean-Paul Viollet, le directeur créatif de l’Atelier Viollet. «Dans un monde de déforestation et de changement climatique, nous devons être plus conscients de la façon dont nous utilisons nos rares ressources.» Pour minimiser davantage les déchets, les designs sont tous fabriqués sur commande. Disponibles à l’achat sur le site Web de Zinser, ils apparaissent sur les images floues prises par le photographe Richie Talboy qui soulignent la tactilité de la collection et offrent un sursis face à l’afflux d’images aérographes et ouvertement brillantes qui remplissent si souvent nos flux. «J’espère», dit Zinser, «établir à nouveau un lien avec de vraies choses.»

Il n’est pas le seul créateur à tenter d’éjecter de force les esthètes du monde du design rapide en utilisant des techniques anciennes et des matériaux intemporels. Matthew Fisher, un artisan né en Virginie et basé à New York qui est tombé dans le design après avoir abandonné ses rêves de devenir un danseur de ballet professionnel suite à une blessure mettant fin à sa carrière, a longtemps été fasciné par l’Antiquité classique. Cette semaine, il sortira sa première collection d’objets sous son propre nom. Fabriqués à la main à partir de matières premières séculaires qu’il a manipulées pour prendre des formes modernes, ils comprennent des bols et urnes en marbre de lichen et en verre borosilicaté, socles en travertin surbaissés avec des détails inspirés des contours d’anciens segments d’aqueduc et de vases à colonnes noirs et fauves sculptés dans du bois de frêne sablé que Fisher, 31 ans, a brûlé et carbonisé à plusieurs reprises pour obtenir un arrondi contemporain voir.

La collection reflète les influences de son père paléontologue et de son grand-père dessinateur, dit-il. Il marque également la réalisation de designs qu’il avait imaginés mais qu’il avait été incapable d’exécuter plus tôt dans sa carrière, alors qu’il travaillait sur des projets consécutifs dans l’hôtellerie et la conception d’hôtels. (Depuis 2017, il dirige également son propre studio, Mulberry Black, qui produit des pièces personnalisées et des œuvres spécifiques à un site à partir de pierre naturelle pour des clients du monde de l’art et du design.) «J’étais fatigué de créer ces espaces aux allures de temple que nous ‘ J’y déversais tellement de nous-mêmes, seulement pour qu’ils ferment dans trois ans », dit-il. «Mon père, qui travaillait pour l’US Geological Survey, m’a exposé à un concept particulier du temps que beaucoup d’enfants n’avaient pas appris, alors des matériaux comme la pierre et le bois m’aident à me connecter à cette longévité, à ce sens de l’histoire humaine usée par le temps, et mon éducation.

Fisher note que même s’il ne s’est «jamais intéressé à créer des choses qui semblent extrêmement modernes», il espère que ses objets chevauchent l’espace entre le passé et le présent. En effet, ce n’est qu’au printemps dernier, alors que les commandes commençaient à ralentir lors du premier lock-out de New York, que Fisher put consacrer plus d’heures à sa pratique personnelle et développer ces objets, qu’il avait commencé à fabriquer pour ses amis et sa famille quelques années auparavant, dans une collection formelle. «Tant de choses sur lesquelles je pensais qu’il était important de passer mon temps ont été écartées», dit-il, «et ce qui m’apportait du réconfort est devenu, je m’en suis rendu compte, beaucoup plus important. Fabriquer des objets lentement et de manière déterminée à la main à partir de matériaux comme le bois et la pierre, comme le font les fabricants depuis des millénaires, était une expérience fondamentale et pendant laquelle le temps semblait s’être arrêté. «La pression pour être constamment créatif est toujours là», dit-il. «Mais c’était bien de ne pas être entièrement inondé d’informations débridées – d’être mesuré et délibéré.»

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